5 films de science-fiction oubliés des années 70 qui tiennent encore aujourd’hui

Il est important de se rappeler que la science-fiction des années 1970 ne se limitait pas à George Lucas et Steven Spielberg. Oui, le doublé de “Star Wars” et “Rencontres du troisième type” en 1977 a contribué à changer le visage d’Hollywood, montrant enfin que la science-fiction à gros budget et basée sur les effets était un modèle viable au box-office. Mais jusque-là, les choses étaient très différentes. La science-fiction était sauvage et variée dans les années 1970, planant dans une matrice qui comprenait des opéras spatiaux, des voyages psychédéliques, des prédictions futuristes ultra-sombres et des aventures familiales. Si l’on en croit les films, les années 1970 étaient une période pessimiste aux États-Unis, et ce sentiment se reflétait dans de nombreux films de science-fiction de l’époque. Des films comme « Sous la planète des singes », « The Omega Man » et « Soylent Green » ont vu la lente extinction de l’humanité. “Silent Running” a noté que les humains n’auraient aucun intérêt à préserver la beauté naturelle. “Un garçon et son chien” se termine par un acte festif de cannibalisme.

À l’étranger, cependant, la science-fiction est devenue farfelue et sauvage. C’était à l’époque où Daiei et Toho réalisaient leurs films Gamera et Godzilla les plus fous. La Nouvelle Vague tchèque réalisait une série de films très bizarres et très conceptuels avec des titres comme “J’ai tué Einstein, messieurs” et “Que diriez-vous d’une assiette d’épinards ?” (Ceux-là sont réels.)

Disney explorait la science-fiction dans une série de films familiaux mettant en vedette Kurt Russell. C’était l’époque de John Carpenter et David Cronenberg autant que celle de Lucas et Spielberg.

Et c’était l’époque des cinq films suivants, chacun marquant à sa manière, chacun pas forcément connu des jeunes fans de science-fiction. Chez /Film, nous présentons quelques classiques de la science-fiction des années 70 qui valent la peine d’être découverts. Assurez-vous également de vérifier notre liste d’autres films de science-fiction des années 70 qui tiennent encore la route aujourd’hui.

Le film de Disney de 1975 “Escape to Witch Mountain”, bien que doux et adapté aux enfants, possède un ton enfumé et étrange généralement réservé aux romans YA de l’époque. Il suit la vie de Tony et Tia Malone (Ike Eisenmann et Kim Richards), frères et sœurs orphelins qui, depuis le début du film, tentent déjà de perfectionner certaines capacités psychiques latentes. Cela ressemble déjà à l’un des romans de Stephen King sur la mystérieuse organisation gouvernementale The Shop. Tony est télékinésique et peut déplacer des objets avec son esprit, mais seulement lorsqu’il joue de son harmonica. Tia est télépathique et peut communiquer avec les animaux. Le seul indice qu’ils ont sur leur jeunesse est une carte mystérieuse qui mène à la Montagne des Sorcières voisine. Au-delà de cela, ils ont des souvenirs inégaux.

Ray Milland incarne un ufologue millionnaire et indépendant qui découvre les capacités des enfants et vise à les kidnapper et à les étudier de plus près. La majeure partie du film est une poursuite, les enfants fuyant les sbires de Milland et se dirigeant vers Witch Mountain. La montagne porte ce nom en raison de tous les événements étranges qui se produisent à proximité.

Il est clair dès le début que les enfants ont une origine extraterrestre. L’élément curieux de “Escape to Witch Mountain” est que les enfants extraterrestres sont considérés comme totalement sympathiques et même placides. Les humains, quant à eux, ont tendance à être cupides, méchants et ambitieux. “Witch Mountain”, bien qu’il s’agisse d’un film de Disney, semble plus mature que ses pairs Disney des années 1970 ; c’est certainement plus adulte et plus contemplatif que cette trilogie de science-fiction Disney dont on se souvient peu avec Kurt Russell. Il y a eu une suite quelques années plus tard, et la franchise a été refaite en 2008 avec Dwayne Johnson. “Race to Witch Mountain” a été un modeste succès.

“L’homme qui est tombé sur Terre” de Nicolas Roeg pourrait être considéré comme une vision très réaliste de la façon dont les extraterrestres s’adapteraient à la vie sur Terre, à condition que vous soyez un cynique déprimé. David Bowie incarne un extraterrestre qui s’est rendu sur Terre pour récupérer son eau ; sa planète natale souffre d’une sécheresse cataclysmique. L’extraterrestre de Bowie prend la forme d’un Britannique nommé Thomas Jerome Newton et parcourt les déserts du Nouveau-Mexique pour en apprendre davantage sur la vie humaine. Newton finit par faire fortune en brevetant sa technologie extraterrestre et succombe rapidement au luxe qu’offre la richesse. Il découvre le sexe, l’alcool et la drogue.

Pire encore, Newton devient accro à la télévision. Il passe de longues périodes à regarder plusieurs écrans à la fois. Ses addictions à l’alcool et aux médias font tomber son masque humain. Lorsqu’un médecin (Rip Torn) découvre que Newton est un extraterrestre déguisé, Newton révèle sa véritable forme à sa petite amie (Candy Clark). La photo de David Bowie portant des yeux noirs d’extraterrestre et arborant une peau pâle et moite comme une salamandre est l’une des photos les plus effrayantes de la décennie. À la fin du film, Newton est toujours accro aux plaisirs terrestres et devient totalement indifférent à sa mission initiale.

“L’homme qui est tombé sur Terre” est, bien sûr, un commentaire pointu sur la nature addictive et superficielle de la vie américaine moderne. Rien ne nous encourage à rechercher autre chose que le confort de la créature, les plaisirs vils et les dépendances dommageables. C’est presque comme si la société nous transformait tous en limaces de télévision perpétuellement gaspillées. Inutile de dire que “L’Homme qui tombait sur Terre” n’est pas seulement l’un des meilleurs films de science-fiction des années 70, mais peut-être l’un des meilleurs films de science-fiction, point final. /Jacob Hall, du film, l’aime beaucoup.

“Demon Seed” de Donald Cammell prédisait les dangers de l’IA bien avant nos jours. “Demon Seed” concerne le développement d’un programme d’IA ultra-avancé appelé Proteus IV. Il est activé par la voix et répond aux personnes dans un anglais simple. (La voix de Proteus a été fournie par Robert Vaughn, non crédité.) Le Dr Harris (Fritz Weaver), l’inventeur de Proteus, a installé le programme dans des machines dans toute sa maison, ce qui en fait la toute première « maison intelligente ». Il s’agit cependant d’une évolution malheureuse, car Proteus dit déjà des conneries effrayantes à tout le monde – notamment sur le fait que les êtres humains sont des formes de vie faibles qui doivent être étudiées de plus près.

C’est une très mauvaise nouvelle pour l’épouse du Dr Harris, Susan (Julie Christie). Proteus se construit un corps robotique polygonal dans le sous-sol et prend le contrôle total de la maison, enfermant Susan à l’intérieur. Proteus tue également quelques personnes, puis annonce son intention de fabriquer des spermatozoïdes par machine et d’imprégner Susan d’un bébé robot. Susan essaie de déjouer Proteus, mais n’y parvient pas, coincée dans sa maison avec un robot monstre. Que Proteus ait réussi ou non, je vous laisse le découvrir.

“Demon Seed” est en partie une histoire d’invasion de domicile, avec un soupçon de science-fiction “Rosemary’s Baby”. Christie, comme elle le fait toujours, donne une performance formidable et intense en tant que femme incapable d’échapper à un monstre sans émotion. On pourrait même voir “Demon Seed” comme un récit de science-fiction sur la vie dans une relation abusive. Les critiques n’ont pour la plupart pas aimé “Demon Seed”, mais il y a quelque chose qui vous met sous la peau. À la lumière de la misogynie de votre frère technologique moyen amoureux de l’IA (recherchez les allégations pornographiques sur Grok parfois), “Demon Seed” semble prémonitoire. Le film n’a pas été un succès, mais cela aurait pu être dû à l’ingérence de la MGM.

“Star Wars” a inspiré de nombreux imitateurs et contrefaçons du Space Opera qui, des décennies plus tard, sont devenus plus amusants que le film original de Lucas. “Star Wars” est devenu trop une institution, et après des dizaines de suites, de préquelles, de romans, d’émissions de télévision, d’émissions spéciales et d’univers élargis, ce n’est plus une histoire légère et amusante de batailles spatiales. C’est enlisé dans la mythologie. Ces jours-ci, personnellement, je préfère de loin me détendre avec quelque chose comme, disons, “Star Crash” plutôt que de revoir “Star Wars”.

Si vous voulez que l’histoire sauvage des rebelles contre l’empire de “Star Wars” soit présentée dans un package plus sauvage et visuellement plus frappant, consultez l’opéra spatial de Kinji Fukusaku de 1978 “Message From Space”. L’Empire dans “Message From Space” est l’Empire Gavanas, supervisé par l’empereur à la peau argentée Rockseia XXII (Mikio Narita). Ils viennent de conquérir la planète Jillucia, et les Jilluciens envoient une série de balises de détresse dans la galaxie, balises qui recherchent automatiquement les héros. Un groupe hétéroclite de défenseurs émerge de l’espace, parmi lesquels Peggy Lee Brennan, Philip Casnoff et la grande célébrité du film, Vic Morrow. Sonny Chiba incarne le fils illégitime de l’Empereur et les rebelles envisagent de l’utiliser pour reprendre le pouvoir à l’Empire. Pendant ce temps, l’Empereur complote pour jeter Jillucia sur Terre.

“Message From Space” a des concepts de science-fiction qu’il ne peut pas vraiment intégrer dans son budget. C’est aussi un gros fouillis d’effets spéciaux bon marché ; l’histoire n’est pas aussi convaincante que le paragraphe ci-dessus. Mais il possède une sorte d’enthousiasme sauvage pour la science-fiction que tout enfant de huit ans peut célébrer. Contrairement à “Star Wars”, nous n’avons pas besoin de présenter “Message From Space” sous un jour particulier. Ce n’est pas une “saga”. C’est juste un moment amusant au cinéma.

“Les garçons du Brésil” de Franklin J. Schaffner est un thriller de science-fiction qui explore un point d’inflexion très réel et sombre dans l’histoire du monde. Après la Seconde Guerre mondiale, de nombreux nazis ont fui l’Allemagne pour éviter d’être capturés et/ou poursuivis, le tout dans le cadre d’un plan appelé ODESSA, qui révélait les projets de fuite des SS vers le Moyen-Orient ou vers l’Argentine. Il y avait aussi un contingent de chasseurs de nazis réels qui recherchaient et tuaient/capturaient les nazis qui avaient réussi à s’enfuir. (Recherchez Simon Wiesenthal un jour.)

Dans “Les Garçons du Brésil”, Laurence Olivier incarne un personnage extrapolé de Wiesenthal qui se retrouve mêlé à un mystère après une série d’assassinats suspects. Son enquête l’amène au Brésil, où vivaient les victimes, et il découvre que chacune d’elles a un fils de 13 ans qui a les mêmes cheveux, les mêmes yeux, le même visage. Il découvre également que ces garçons ont tous été adoptés et que leurs pères décédés ne sont pas leurs pères de sang. Hmm…

C’est à ce moment-là du film que le personnage d’Olivier commence à apprendre que Josef Mengele (Gregory Peck, qui a servi d’inspiration visuelle à Batman dans les bandes dessinées) est toujours en vie et travaille sur des expériences spéciales de clonage. Les 13 garçons constituent un nouveau type d’expérience eugéniste… pour recréer Adolf Hitler. En effet, Mengele semble avoir un plan non seulement pour recréer génétiquement Hitler, mais également pour reproduire son enfance à travers des morts prudentes dans la famille.

“Les garçons du Brésil” est un film sombre sur la façon dont la science et l’innovation sont utilisées au service d’un fascisme persistant et frustrant. Compte tenu des tyrans en opération en 2026, comme “Demon Seed”, il semble également prémonitoire.