5 films fantastiques oubliés des années 80 qui tiennent encore aujourd’hui

Depuis plus d’un siècle, les gens vont au cinéma à la recherche de toutes sortes d’expériences. Parfois, ils ont besoin de rire comme des imbéciles, tandis que d’autres fois, ils désirent un bon cri cathartique. Indépendamment de ce dont ils ont besoin émotionnellement, tout se résume à s’échapper du monde réel pendant quelques heures – ce qui est l’une des principales raisons pour lesquelles les gens qui sortent leur téléphone sont si exaspérants. Ils brisent le charme du film (à moins que ce film ne soit, comme “All About Steve”).

En parlant de sortilèges, il n’existe pas de forme d’évasion plus transportante que les films fantastiques. Lorsqu’il est bien fait, il n’existe pas de genre qui engage l’imagination de manière plus approfondie et plus extatique – c’est pourquoi la liste des films les plus rentables de tous les temps regorge d’histoires fantastiques (et de leurs suites/préquelles). En effet, le plus grand changement du dernier demi-siècle a été “Star Wars” de George Lucas, qui, en complétant sa narration impeccablement structurée avec des effets visuels révolutionnaires, a inspiré les cinéastes à rêver grand et/ou à courir après une aubaine au box-office.

En conséquence, les années 1980 ont vu des cinéastes de tous bords tenter d’attirer les cinéphiles avec des sagas épiques mettant en scène des aventuriers brandissant l’épée, de puissants sorciers et des bêtes malveillantes. Ray Harryhausen a une fois de plus exploité la mythologie grecque pour l’excitation du stop-motion et a remporté le plus gros succès au box-office de sa carrière avec “Le Choc des Titans”. John Boorman a amené Camelot sur grand écran avec “Excalibur” visuellement époustouflant, tandis que John Milius est devenu R-rated avec, respectivement, “L’Épée et le Sorcier” et “Conan le Barbare”.

Il n’y avait pas que des épées et des sabres laser. Il y a eu un voyage de retour au pays d’Oz, la visite d’un extraterrestre au long cou et Bob Hoskins aux prises avec un lapin de dessin animé. Et puis il y a eu ces cinq films fantastiques uniques et incontournables qui ont été négligés au moment de leur sortie.

J’étais un fervent partisan de permettre aux enfants d’interagir seuls avec les médias, sans garde-fous, comme je l’ai fait dès le plus jeune âge. Aujourd’hui, je me rends compte que c’est totalement irresponsable compte tenu, par exemple, de la prolifération de matériels pédosexuels (CSAM) sur des plateformes de médias sociaux de premier plan comme X d’Elon Musk (anciennement Twitter) – qui est une raison légitime de pleurer la mort de l’ère analogique. Les jeunes cinéphiles curieux ne peuvent plus allumer leur téléviseur en toute sécurité et tomber sur quelque chose de difficile sur le câble, ni louer un film troublant dans leur vidéoclub local.

Cela signifie qu’il y a presque aucune probabilité qu’un enfant tombe sur “Alice” de Jan Švankmajer (alias “Quelque chose d’Alice”), sans doute l’interprétation cinématographique la plus pure des “Alices au pays des merveilles” de Lewis Carroll que nous ayons jamais vue. Le surréaliste tchèque décrit le récit comme le rêve fantastique d’une jeune fille qui s’ennuie (Kristýna Kohoutová) enfermée dans une chambre remplie d’étranges bibelots, de jouets et d’un lapin en peluche dans une vitrine en verre. Lorsque le lapin prend vie et se libère de son enclos, Alice poursuit l’animal à travers une étendue rocheuse et dans un tiroir, ce qui la mène vers un monde dans lequel, parfois littéralement, elle n’a pas sa place.

“Alice” de Švankmajer est difficile en partie parce que les adaptations précédentes, en particulier la comédie musicale animée de Disney de 1951, traitaient le chef-d’œuvre singulier et déchirant la réalité de Carroll comme une fantaisie standard. Švankmajer combine des images en stop-motion et des animaux vivants pour induire une dissonance onirique entre le réel et l’imaginaire. Il n’y a pas de partition musicale, alors que tous les dialogues sont prononcés par Alice. Le film de Švankmajer va bouleverser vos enfants, mais, s’ils sont enclins à la créativité, il pourrait aussi changer leur vie. À cette fin, le risque en vaut la peine.

“Conquest” est une saga d’épées et de sorcellerie des années 1980 à la manière de l’auteur d’exploitation italien Lucio Fulci, ce qui signifie qu’elle est recouverte de sang, chargée de nudité et, donc, pas le genre de fantasy que vous voulez regarder avec vos enfants. C’est cependant le genre de fantasme que vos enfants feraient amour regarder sans toi.

Même en 1983, quand je siégeais juste à côté à notre télévision et regarder des films classés R avec une main sur le cadran de la télévision (afin de pouvoir changer rapidement si j’entends un adulte approcher), “Conquest” était un drôle de canard. Oui, il était libéral dans son déploiement de seins et d’actions coupantes de membres, mais l’esthétique vaporeuse et de machine à fumée de Fulci semblait mal adaptée à ce sous-genre fantastique vivifiant. Une fois que je me suis familiarisé avec l’œuvre de Fulci, je me suis tourné vers “Conquest”, qui est un film beaucoup plus divertissant (et tout à fait bizarre) que sa réputation ne le suggère. Ce n’est pas du Fulci haut de gamme, ni un film fantastique classique, mais c’est une huée campagnarde qui n’aurait pu être réalisée qu’au début des années 1980.

Après une introduction lourde où notre héros guerrier mouillé derrière les oreilles, Ilias (Andrea Occhipinti), reçoit un arc magique de la part de son père et est envoyé de leur maison édénique pour devenir un homme, nous sommes plongés dans un jeu à deux étonnamment amusant. Ilias, plus raffiné, fait équipe avec le barbare musclé Mace (le bodybuilder devenu acteur Jorge Rivero) ; ensemble, ils cherchent à éradiquer le mal partout où il prospère. Leur objectif principal dans “Conquest” est Ocron (Sabrina Siani), une sorcière masquée qui convoite l’arc magique d’Ilias et n’aime pas porter de vêtements. Il s’agit du voyage de base du héros, mais Fulci et ses scénaristes lancent une boule de courbe majeure aux téléspectateurs qui était clairement destinée à mettre en place une suite. Malheureusement, “Conquest” fut une bombe au box-office, mettant ainsi fin aux aventures d’Ilias et Mace pour le plus grand plaisir des malfaiteurs du monde entier.

Au début de l’été 1989, les cinéphiles étaient en ébullition devant “Indiana Jones et la Dernière Croisade”, “SOS Fantômes II”, “Lethal Weapon 2” et, bien sûr, “Batman” de Tim Burton. C’était une période de quatre mois ridiculement chargée, et pourtant j’ai été surpris qu’une nouvelle comédie-aventure d’épée et de sorcellerie écrite et réalisée par Terry Jones et avec John Cleese en vedette vole bas sous le radar. Ce n’était pas un film à part entière des Monty Python, mais c’était juste assez proche pour que les fans de la troupe ne puissent s’empêcher de s’enthousiasmer.

Lorsque “Erik le Viking” a finalement été diffusé dans les salles américaines fin septembre, il était accompagné de critiques cinglantes et négatives (notamment une poêle zéro étoile de Roger Ebertqui a déclaré que le film lui faisait “se sentir comme une machine de dialyse humaine”). J’ai donc été choqué lorsque je l’ai loué en VHS des mois plus tard, et j’ai ri, voire éclaté de rire, tout au long de cette histoire sans vergogne stupide. Ce n’est pas “Monty Python et le Saint Graal”, mais qu’est-ce que c’est ?

Tim Robbins incarne Erik, un jeune viking qui ne veut pas participer au mode de vie du viol et du pillage. C’est un type gentil et sensible qui a le sens de la vie en tête (son grand-père, joué par Mickey Rooney, pense qu’il est fou). Lorsque le mythique loup nordique Fenrir avale le soleil, accélérant l’ère du Ragnarok, l’énigme d’Erik passe au second plan alors qu’il se lance dans une quête pour trouver le cor retentissant, qui le transportera à Asgard où il demandera à Odin de mettre fin aux ténèbres. En chemin, Erik et son équipage pour la plupart non testés doivent se battre avec le seigneur de guerre Halfdan (Cleese) et faire face à la trahison de Loki (un Antony Sher bruyant). Les plus grands rires viennent de Tim McInnerny dans le rôle de Sven le Berserk, un viking stressé désespéré de sortir de l’ombre Berserk de son père difficile à satisfaire.

Après s’être imposé comme un provocateur de l’animation avec “Fritz the Cat”, “Heavy Traffic” et “Coonskin” (dont les deux premiers ont été classés X), Ralph Bakshi a pris du recul par rapport à ses habitudes controversées et a réalisé “Wizards”, un film visuellement époustouflant. Le succès surprise du film a conduit Bakshi à tenter une adaptation animée épique du “Le Seigneur des Anneaux” de JRR Tolkien. qui a échoué sur tous les plans. Même si les limitations de budget et de longueur ont certainement limité ses ambitions, la fantaisie littéraire sérieuse de Tolkien n’est tout simplement pas son sac. Au fond, Bakshi est un gars du pulp.

Lorsque Bakshi est revenu au genre fantastique en 1983, il s’est lancé dans le pulp à fond, faisant équipe avec le légendaire Frank Frazetta et les célèbres auteurs de bandes dessinées Gerry Conway et Roy Thomas pour réaliser l’aventure fantastique “Fire and Ice”. Bakshi a de nouveau utilisé la technique de rotoscopie qu’il avait utilisée pour animer les performances du Seigneur des Anneaux et de American Pop (James Gunn a rendu hommage à la rotoscopie dans “Les Gardiens de la Galaxie Holiday Special”), et le résultat pourrait bien être le film le plus époustouflant de sa carrière. L’histoire de Conway et Thomas est centrée sur l’enlèvement de la princesse Teegra, la fille du roi Jarol qui règne sur un royaume volcanique. Teegra se retrouve entre les griffes de la méchante reine Juliana, qui règne sur Icekeep et espère produire un héritier avec la belle jeune princesse via son fils Nekron. Lorsque Teegra s’échappe brièvement, elle rencontre et tombe amoureuse de Larn, un guerrier cherchant à se venger de Juliana et Nekron pour avoir détruit son village.

Voir l’équivalent des couvertures de livres classiques de Frazetta “Conan le barbare” animées est un plaisir, et ces images époustouflantes finissent par suffire à compenser le récit parfois pokey de Conway et Thomas. 43 ans après son bombardement théâtral, “Fire and Ice” reste une merveille visuelle.

Je suis réticent à inclure “Zu: Warriors from the Magic Mountain” de Tsui Hark sur cette liste pour deux raisons : premièrement, tous les fans du cinéma de Hong Kong vont me marteler pour avoir qualifié d'”oublié” l’un des films les plus influents de l’histoire de l’industrie, et deuxièmement, il n’est disponible en streaming nulle part aux États-Unis pour le moment.

“Zu : Les Guerriers de la Montagne Magique” n’est peut-être pas connu des cinéphiles américains traditionnels, mais le film de Tsui, en particulier les éléments de Wuxia, a été une source d’inspiration majeure pour “Big Trouble in Little China” de John Carpenter et “The Matrix” de Wachowski. Ce sont des classiques à froid, mais il leur manque la nouveauté éblouissante de « Zu ». Le film met en vedette Yuen Biao dans le rôle d’un soldat déserteur qui devient le protégé d’un épéiste dur à cuire (Adam Cheng). Ils se retrouvent face à un Diable de Sang (pas bon), qui ne peut être vaincu qu’en rejoignant l’Épée Pourpre du Ciel et l’Épée Verte de la Terre. Ils se retrouvent également assistés par un chasseur de diable (Damian Lau), son protégé (Mang Hoi), un puissant sorcier (Sammo Hung) et la tout aussi puissante comtesse (Brigitte Lin). C’est tout le résumé de l’intrigue que vous obtiendrez, car si j’entre dans les détails merveilleusement alambiqués, nous allons rester ici pendant un moment.

Le casting de stars, qui comprend un très méchant Corey Yuen (qui invoque le Blood Devil), est une joie à regarder, mais c’est l’invention visuelle époustouflante qui vous laisse sous le choc. Tsui et son équipe d’effets spéciaux puisaient dans la boîte à outils “Star Wars” de George Lucas et étudiaient également “Superman” de Richard Donner. C’est pourquoi “Zu” résiste si bien aujourd’hui. Tsui n’essayait pas d’égaler les films fantastiques américains. Il construisait un nouveau vocabulaire visuel propre à Hong Kong.