5 films de science-fiction oubliés des années 2000 qui tiennent encore aujourd’hui

La science-fiction des années 2000 était effectivement une bête curieuse, car, d’une manière importante, nous vivions déjà dans le futur. À la fin de 1999, le monde est entré dans un étrange état d’angoisse millénaire, ne sachant pas trop quoi faire maintenant que le monde n’avait pas pris fin. En outre, l’humanité a commencé à adopter rapidement les téléphones portables, qui ont finalement cédé la place aux smartphones. La technologie de streaming s’est améliorée à tel point que les gens ont pu commencer à regarder des vidéos facilement chez eux (l’époque du téléchargement par ligne commutée était révolue). l’aperçu de “Phantom Menace”), et les films sont devenus d’autant plus faciles d’accès.

Pendant ce temps, toutes les visions de l’avenir entrevues dans les films de science-fiction des années 1950 aux années 1980 ne prédisaient pas vraiment l’Internet, l’essor de YouTube ou la naissance des médias sociaux. Notre réalité réelle a apparemment dépassé notre fiction. Nous ne savions pas vraiment où nous occuper de cela. Puis, après les horreurs du 11 septembre, beaucoup de nos histoires de science-fiction (après un arrêt dans les histoires de terrorisme) a finalement commencé à s’orienter vers la fantaisie. Les histoires légères sur les héros d’action sont soudainement devenues très populaires ; il n’est pas étonnant que l’univers cinématographique Marvel ait été lancé seulement sept ans plus tard. Aussi, pour fuir les horreurs du monde, nous nous sommes enfuis dans la familiarité/nostalgie, donc les remakes/reboots sont soudainement devenus très populaires. Nous avions besoin d’un socle de culture pop auquel nous raccrocher en ces temps incertains.

Et pendant tout cela, certains cinéastes ont continué à faire progresser le genre, souvent de manière inhabituelle et unique. Il y a eu beaucoup de bons et de terribles films de science-fiction dans les années 2000, tous tour à tour mémorables. Les films suivants ne sont peut-être pas très connus, mais chacun d’eux vaut le détour.

“Le squelette perdu de Cadavra” de Larry Blamire est sans conteste l’un des films les plus drôles des années 2000. Réalisé avec un budget restreint et tourné dans les collines de Californie, le film de Blamire se moquait ouvertement des types de films B stupides réalisés avec un budget restreint et tournés dans les collines de Californie. Blamire aimait clairement les films de monstres à petit budget de la fin des années 1950 et du début des années 1960 comme « Robot Monster » et « The Creeping Terror ».

L’histoire impliquait un scientifique carré nommé Dr Paul Armstrong (Blamire) et sa jolie épouse Betty (Fay Masterson), qui ont marché dans la nature à la recherche d’un météore constitué d’un élément rare de l’atmosphère. Sont également présents sur les lieux un médecin rival (Brian Howe), deux extraterrestres nommés Kro-Bar et Lattis (Andrew Parks et Susan McConnell), une femme animale nommée Animala (Jennifer Blaire), un monstre mutant (Darrin Reed) et le squelette perdu lui-même, un tyran psychique.

Le dialogue évoque la maladresse du cinéma d’Ed Wood, avec un langage circulaire étrange et un humour direct. “Des extraterrestres ? Nous ? C’est une de vos blagues sur la Terre ?” Chaque réplique est un banger, un gag que vous avez envie de crier à vos amis lors des soirées. C’est un terrain de jeu de bêtises, et vous regarderez ce film avec un énorme sourire maladroit sur le visage. Blamire a usurpé la science-fiction des années 1950 avec “Lost Skeleton”, mais il a également réussi à rendre le film authentique. La musique provient d’une bibliothèque musicale datant de plusieurs décennies plus tôt et reflète parfaitement l’époque. C’est un très très bon film.

En 2002, de nombreux critiques ont rejeté “Simone” d’Andrew Niccol, le qualifiant de mou et d’inutile, certains affirmant que l’intrigue n’était pas crédible. À l’ère de « l’art » de l’IA, et les rapports de Tilly Norwoodc’est carrément prémonitoire. Al Pacino incarne un cinéaste nommé Viktor Taransky qui en a assez de la machine hollywoodienne et des acteurs difficiles et braillards avec lesquels il doit toujours avoir affaire. Il est contacté par un vieil ami nommé Hank (Elias Koteas) qui a créé le premier avatar humain animé photoréaliste qu’il appelle Simulation One. À la mort de Hank, Viktor commence à utiliser son logiciel pour insérer une ingénue virtuelle (le mannequin canadien Rachel Roberts) dans ses films. Elle est animée, mais Viktor la fait passer pour une personne réelle.

Naturellement, Simone cartonne tout de suite, et le public en réclame davantage. Viktor adore la nouvelle attention portée à sa carrière, mais commence à en vouloir au fait que son « actrice » soit plus populaire qu’il ne l’a jamais été. Techniquement, c’est lui. Finalement, Viktor commence à détester Simone et commence à l’insérer dans des films de plus en plus humiliants et terribles. Parce que Simone est une jolie femme blonde, mince, le public continue d’être impressionné par ses pitreries. Et puis que se passe-t-il lorsque Viktor est accusé d’avoir une liaison avec Simone ? Ou la tuer ?

Même si la satire aurait pu aller bien plus loin, le message de « Simone » est fantastique. Nous, le public, tombons amoureux des images et non des gens. Et quand nous atteignons le point où l’authenticité peut être falsifiée, pourquoi faisons-nous encore de l’art ? Ce sont des questions très 2026, posées dans un film de 2002.

Vous vous souvenez du steampunk ? Au milieu des années 2000, il y a eu une tendance intense et de courte durée vers un nouveau type d’esthétique de science-fiction qui suggérait à quoi le genre pourrait ressembler s’il avait été arrêté à l’époque victorienne. Le Steampunk était marqué par beaucoup d’engrenages, beaucoup de cuivres et beaucoup de vêtements sexy en cuir. Il y avait des histoires, des émissions de télévision et des films qui adhéraient à l’esthétique steampunk, mais c’est également devenu un style de vie pour les cosplayers et les participants aux arnaques. Un ami a dit un jour que le steampunk était destiné aux gens trop ringards pour être gothiques, et même si c’est un peu dédaigneux, c’est certainement exact.

Katsuhiro Otomo, le réalisateur de “Akira”, a réalisé ce qui pourrait être le meilleur steampunk de tous avec “Steamboy”, une épopée de science-fiction fantastique se déroulant dans une version parallèle de l’Angleterre des années 1860, lorsque les véhicules à vapeur ont changé le cours de l’histoire de l’humanité. Le personnage principal est James Ray Steam, petit-fils et fils de grands inventeurs, et l’intrigue tourne autour de l’invention d’une mystérieuse machine sphérique qui peut essentiellement produire une énergie illimitée pour les machines à vapeur. James entre en possession de la machine et est capable d’en construire un appareil volant. Il en aura besoin, car les méchants le recherchent.

Les visuels de “Steamboy” sont aussi élaborés et magnifiques que les films précédents d’Otomo “Akira” et “Metropolis”, mais le film possède un ton d’aventure pulpeux plus accessible. Le film a pris une décennie à réaliser et on peut voir chaque minute d’effort à l’écran. Sur le plan thématique, “Steamboy” n’est pas très complexe – il est plus axé sur l’histoire que les autres films d’Otomo – mais visuellement, c’est l’un des films de science-fiction les plus impressionnants de la décennie.

“Big Man Japan” de Hitoshi Matsumoto est l’un des films de science-fiction/kaiju les plus stupides que vous puissiez jamais voir, et cela veut dire quelque chose. Mais cette distinction à elle seule mérite votre attention. Filmé dans le style d’un faux documentaire, “Big Man Japan” parle d’un citoyen japonais moyen et ennuyeux nommé Daisato (Matsumoto) qui peut devenir énorme lorsqu’il est chargé électriquement. Il est le dernier d’une longue lignée de chasseurs de monstres. Dans cet univers, les attaques de kaiju sont si fréquentes qu’elles sont régulièrement télévisées… et les audiences faiblissent. “Big Man Japan” prend le monde des combats de kaiju et le transforme en quelque chose d’ennuyeux et de quotidien. Daisato n’a aucun respect. Cela n’aide certainement pas qu’il ait l’air ridicule, avec sa coiffure géante et renversée. Il vit seul dans un appartement, sa femme l’ayant quitté. Il est plutôt pathétique.

“Big Man Japan” aborde également certains des aspects pratiques et ennuyeux du fait d’être un géant. Il semble que Daisato ait besoin d’enfourcher une paire de sous-vêtements géants avant de grandir, afin de ne pas devenir un géant impudique. L’intrigue culmine lorsque le Big Man ne parvient pas à vaincre un monstre géant venu de l’extérieur du Japon.

“Big Man Japan” est drôle par sa fadeur. Les monstres sont étranges et farfelus, et les décors miniatures rappellent les vieux films de Godzilla, mais il y a quelque chose de lent et de délavé dans toute l’affaire. C’est une satire intelligente des films kaiju, certes, mais elle se moque aussi de la salace de la télé-réalité. Même lorsqu’une caméra de télé-réalité se tourne vers quelque chose d’aussi bizarre qu’un combat de monstres, elle le transforme en quelque chose de plutôt gênant et ennuyeux. Ce n’est pas sur notre liste des meilleurs films kaijumais ça devrait l’être.

Lorsque “Knowing” d’Alex Proyas est sorti en 2009, de nombreux critiques se sont hérissés de son ton sérieux et de ses rebondissements étranges. Cependant, je dirais que ces éléments constituent ses plus grandes forces. Dans le film, Nicolas Cage incarne John, professeur au MIT, dont le fils ouvre une capsule temporelle vieille de 50 ans dans son école primaire. À l’intérieur, John trouve une pile de chiffres mystérieux, écrits lorsque la capsule temporelle a été enterrée. John découvre que les chiffres sont des dates et qu’ils correspondent à des catastrophes géantes. Chacun d’eux a été prédit avec une extrême précision… et il en reste encore quelques-uns à venir.

L’idée selon laquelle les catastrophes naturelles peuvent être prédites bouleverse toute la vision du monde de John. Il commence à accepter qu’il existe une sorte de destin pour le monde et qu’il doit repenser la nature fondamentale de l’univers. John essaie d’éviter certains désastres, mais n’a pas de chance. Ces choses vont se produire à 100%. John essaie de retrouver la fille qui a écrit les prédictions et peut-être d’en apprendre davantage sur la façon dont elle savait ce qui allait se passer. Ce qu’il découvre, c’est que le désastre annoncé au bas de la page sera le dernier que la Terre ait jamais connu. Et qu’est-ce que cela a à voir avec les prophéties bibliques ?

“Savoir”, comme le titre l’indique, est tout ce que John peut faire. Cela rend ses connaissances inutiles. Tout ce qu’il peut faire, c’est le savoir et le témoignage. Et Alex Proyas ne s’arrête pas aux catastrophes. Il apporte quelques idées de science-fiction/surnaturelles que je laisserai au public découvrir. C’est un grand, gros swing, mais ça marche. Et la fin est l’une des plus larges et des plus folles que vous ayez vues sur cette liste.