Dans le secteur musical d’aujourd’hui, la course à l’acquisition et à la gestion des catalogues existants a été définie par des enjeux de valorisation élevés et la promesse de rendements perpétuels. Nous avons vu des milliards de dollars déployés sur la base d’un pouvoir apparemment inhérent et durable de la propriété intellectuelle emblématique. Pourtant, d’un point de vue stratégique et opérationnel, et du fait que ces actifs ne vivent jamais dans le vide, il existe une inefficacité flagrante. Alors que les fournisseurs de services numériques (DSP) comme Spotify et Apple Music sont optimisés pour la consommation audio, la plateforme la plus dynamique et la plus rentable du secteur – YouTube – reste systématiquement et largement sous-utilisée.
Pendant des années, l’industrie a considéré YouTube comme un simple dépôt de vidéos, ce qui s’est avéré être une erreur fondamentale et extrêmement coûteuse. YouTube est le deuxième plus grand moteur de recherche au monde et un puissant DSP à part entière – un récit Lyor Cohen souligné dans son «Lettre de 8 milliards de dollars.» Nous voyons la plateforme sous un angle différent : il s’agit de l’écosystème ultime pour la préservation de la marque et la génération de revenus.
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Cependant, pour de nombreux artistes historiques, cet écosystème est en plein désarroi. Recherchez une légende et vous rencontrez souvent une réalité fragmentée : des bootlegs pixelisés, des téléchargements non officiels dépassant les chaînes officielles et une identité visuelle qui semble figée dans une époque révolue. Cette négligence dilue la marque et laisse des revenus importants sur la table.
Pour corriger cela, nous opérons sur une méthodologie spécifique que nous appelons le Brand & Revenue Blueprint, que nous avons déployé avec succès pour des icônes telles que Franck Sinatra, Doyen Martin, Linda Ronstadt et d’autres. Il repose sur trois piliers fondamentaux.
Récupérer le récit de la marque
La première étape dans la modernisation d’une marque historique consiste à gagner la bataille pour attirer l’attention. Dans de nombreux cas, le contenu généré par les utilisateurs (UGC) est mieux classé que les chaînes d’artistes officielles simplement en raison de la négligence. Lorsqu’une chaîne officielle souffre de mises en ligne peu fréquentes, de métadonnées médiocres ou d’actifs à faible résolution, l’algorithme – et les fans – dérivent ailleurs.
Ce problème doit être abordé avec la précision d’une entreprise de médias, notamment en mettant à l’échelle les images d’archives pour répondre aux normes HD modernes, en repensant les vignettes pour rivaliser avec un flux encombré et en corrigeant rigoureusement les métadonnées. Il ne s’agit pas seulement d’entretien ménager numérique ; c’est l’élévation de la marque. En réintroduisant le contenu phare avec une présentation soignée et faisant autorité, vous vous assurez que la chaîne officielle domine les résultats de recherche. Nous disons effectivement à l’algorithme que l’artiste est actif, pertinent et la source définitive de sa propre histoire.
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Protéger les droits et l’intégrité de la marque
Une fois que la chaîne officielle est établie comme plaque tournante, le vaste écosystème qui l’entoure doit être abordé. Les capacités de revendication de YouTube sont robustes, mais souvent mal comprises ou gérées passivement.
Pour les artistes historiques, le volume d’UGC mis en ligne par les fans au cours des deux dernières décennies est immense. De nombreux titulaires de droits considèrent cela comme une nuisance, mais cela devrait plutôt être considéré comme une source de revenus et une opportunité de branding, en mettant l’accent sur la capture des revenus de la « longue traîne » de contenu qui manque à de nombreux labels et domaines.
Cependant, cela nécessite une main nuancée et opérationnelle ; Les sociétés d’optimisation de contenu YouTube doivent agir comme une extension neutre et un partenaire des équipes d’artistes, des labels et des distributeurs, en veillant à l’intégrité de la marque sans aliéner la base de fans. Cela signifie gérer de manière agressive les bootlegs et les albums complets non autorisés et, de plus en plus, surveiller la montée des téléchargements manipulés par l’IA qui menacent l’authenticité du talent artistique – en substance, protéger la propriété intellectuelle tout en monétisant le fandom.
Extension de la valeur à vie : reconditionnement pour le fan moderne
Enfin, les habitudes de recherche nostalgiques doivent être converties en consommation récurrente. Il ne suffit pas de simplement mettre en ligne un clip de 1985. Il faut parler la langue de 2026.
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Cela implique de réinventer la propriété intellectuelle existante dans de nouveaux formats médiatiques, notamment en utilisant YouTube Shorts pour capter un public plus jeune avec des petits moments prêts à être viraux ; déployer des flux en direct thématiques 24h/24 et 7j/7 pour favoriser une consommation « décontractée », transformant la chaîne en une station de diffusion permanente ; et créer des visualiseurs qui donnent aux pistes audio uniquement une empreinte visuelle.
Cette stratégie de contenu actif revitalise l’empreinte de la marque. Cela crée un écosystème à plusieurs traits d’union où l’artiste n’est pas seulement un musicien, mais un créateur de contenu, un diffuseur et un conteur visuel.
Georges Karalexis est co-fondateur/PDG de Ten2 Media. Son expertise en tant que responsable des médias, conseiller stratégique et entrepreneur en série s’étend sur plus de 15 ans dans un leadership multisectoriel, en mettant l’accent sur la musique, la stratégie marketing et la constitution d’équipes tactiques. Femme Budica est co-fondateur/COO de Ten2 Media. Titulaire d’un diplôme en finance de la Wharton School et d’un MBA de l’USC Marshall, elle dirige la stratégie et les opérations d’entreprise de Ten2 et de ses filiales.
