En 2000, le film des frères Coen Ô frère, où es-tu ? a utilisé une collection de chansons qui représentaient une large toile de blues, de bluegrass, de gospel et de country pour aider à conduire une histoire se déroulant dans le Mississippi des années 1930 pendant la Grande Dépression, racontant l’histoire d’un trio d’évadés de gangs en chaîne, interprété par George Clooney, Tim Blake Nelson et John Turturro.
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Ces chansons étaient à la base du film, car avant son tournage, le producteur, auteur-compositeur et musicien T Bone Burnett a réuni un groupe d’artistes pour créer la bande originale de 19 chansons du film. Le résultat a été un succès inattendu, qui a mis en lumière un riche catalogue de chansons et d’artistes intemporels, dont Alison Krauss, Emmylou Harris, The Fairfield Four, Dan Tyminski et Ralph Stanley, tout en présentant également une sélection d’enregistrements originaux des années 1920 et 1950.
“Les chansons ne sonnaient pas comme si elles avaient été composées au cours de différentes décennies”, raconte Burnett. Panneau d’affichage. “J’ai toujours essayé de faire de la musique dont on ne peut pas dire de quelle décennie elle date.”
Tyminski a été la voix principale du personnage de Clooney, Ulysses Everett McGill, sur la chanson « I Am a Man of Constant Sorrow » – une performance si imposante qu’elle définirait le personnage de Clooney dans le film. La bande originale comprenait des chansons telles que « Keep on the Sunny Side » (interprété sur la bande originale par The Whites), « You Are My Sunshine » (Norman Blake), « Down to the River to Pray » (Krauss) et « O Death » (Ralph Stanley) et « Big Rock Candy Mountain ».
La bande originale s’est hissée au premier rang du palmarès des albums Billboard 200 et a passé plus de 20 semaines au sommet du classement des meilleurs albums country. Il a également remporté plusieurs Grammys, dont celui de l’album de l’année, et a reçu les distinctions de l’Academy of Country Music, de la Country Music Association et de l’International Bluegrass Music Association. Burnett a reçu quatre Grammys pour son travail sur la bande originale, dont celui de producteur de l’année (non classique) et d’album de l’année.
L’album est crédité d’avoir suscité un regain d’intérêt pour le bluegrass et les sons folk d’antan, et a également fait découvrir la musique à une nouvelle génération d’auditeurs. Plus de 25 ans plus tard, l’héritage durable de la bande originale est honoré à travers une édition vinyle sortie le 20 février via Lost Highway Records.
Samedi (28 février), le Grand Ole Opry célébrera le Ô frère, où es-tu ? bande originale et son influence à long terme avec une soirée spéciale de performances de Billy Strings, Krauss, Tyminski, Del McCoury Band, Molly Tuttle, Old Crow Medicine Show, Jerry Douglas, The Fairfield Four, Harris, The Fisk Jubilee Singers et plus encore.
Burnett a parlé avec Panneau d’affichage à propos de son travail sur cet album légendaire.
De quoi vous souvenez-vous de votre implication dans le Ô frère, où es-tu ? la bande-son ?
Lorsque j’ai reçu l’appel de Joel et Ethan (Coen), ils m’ont dit : « Voudriez-vous faire un film sur l’histoire de la musique folk américaine ? C’était leur argumentaire éclair, je suppose que vous diriez. Et ce fut une expérience immersive et prenante pendant environ deux ou trois ans.
Vous aviez déjà travaillé avec les frères Coen sur le film Le Grand Lebowskiet la chanson « I Am a Man of Constant Sorrow » allait potentiellement être utilisée pour ce film. Comment est-il arrivé à Ô frère ?
Les chansons viennent toujours des personnages. Sur Le Grand Lebowskije leur avais envoyé « Un homme au chagrin constant » pour le héros. C’est une chanson épique et je pensais que The Dude était un héros épique. Ils ne l’ont pas utilisé pour Lebowskimais dans Ô frèreje pense que c’est là quatre fois ou quelque chose comme ça. Ce fut le début et les Coen ont une connaissance approfondie de la musique vernaculaire américaine. J’étais plutôt un facilitateur, même si j’en ai reçu bien plus que ma part de mérite. La musique folk a toujours été là et toute notre musique est construite sur la musique folk, mais à cette époque, au tournant du siècle, elle était tombée dans l’une des périodes où elle n’attirait pas autant d’attention qu’elle l’a été depuis.
Quelle a été l’approche adoptée pour déterminer la bonne combinaison d’artistes à intégrer à ce projet ?
Denise Stiff était la manager d’Alison (Krauss). Je suis allé la voir parce qu’elle connaissait toute cette scène et avait travaillé avec Keith Case dans une agence de booking, réservant tous ces talents sur ce circuit. Elle a vraiment choisi les musiciens, je dirais.
Avec de la musique et des sons plus anciens qui constituent la base de la bande originale, quel impact cela a-t-il eu sur votre approche de l’enregistrement de l’album ?
Mon ingénieur, Mike Piersante, a fait beaucoup de recherches sur la Decca Recording Company. Toutes les maisons de disques avaient leur propre équipement, leurs propres microphones, leur propre technologie et tout ça. Decca avait une méthode appelée Decca Tree, où trois microphones sont placés dans un triangle, avec un microphone le plus proche du chanteur ou du groupe. Nous avions un microphone 47 Neumann et avons utilisé trois micros à ruban et l’avons essentiellement enregistré en mono avec le Decca Tree. Maintenant, tout est fait « dans la boîte » depuis si longtemps que si vous apprenez simplement la chanson et que vous vous placez devant un microphone, vous pouvez le faire en trois minutes. Vous n’êtes pas obligé de passer six semaines à construire quelque chose dans la boîte. Vous pouvez faire quelque chose de beaucoup plus courageux, de plus vivant et de plus libre, si seulement vous le faites.
L’un des enregistrements les plus anciens inclus dans la bande originale est “Po’ Lazarus” de James Carter et des Prisoners, que le collectionneur de musique folk Alan Lomax avait enregistré Carter chantant dans un pénitencier du Mississippi. Comment cet enregistrement est-il arrivé à faire partie de la bande originale ?
Le film commence avec un Chain Gang et nous avons commencé à parcourir toute la musique des Chain Gang que nous avons pu trouver. Après la sortie du film et de la bande originale, James est venu aux Grammys et c’était merveilleux. La Fondation Lomax l’a trouvé à Chicago. Il ne se souvenait même pas d’avoir enregistré cette chanson, c’était environ 70 ans plus tard ou quelque chose du genre. Et j’aime particulièrement cette chanson. Je pense que les Fairfield Four feront ça à l’Opry. Je suis heureux que nous puissions enfin transformer cela en une émission de radio, ce que nous essayions de faire en premier lieu, en essayant de faire une émission de radio des années 30.
Avec le recul, pensiez-vous que la bande originale finirait par inaugurer un moment aussi charnière dans la musique ?
Je n’y ai pas du tout pensé. Je pensais à l’époque que nous avions George Clooney dans un film, mettant en lumière toutes ces personnes incroyablement talentueuses qui ont été sous-estimées pendant un certain temps – personne plus que Ralph Stanley, Emmylou (Harris) et Alison. Quand j’écoute l’intro de Mike Compton (mandoline) sur « Man of Constant Sorrow », cela ressemble à une intro de Chuck Berry. Cela rappelle l’excitation des premiers jours du rock and roll. Je me suis dit : « Nous avons un magnifique disque de rock n’ roll avec un film de George Clooney en pièce jointe, et il ne sera pas diffusé à la radio. »
Ralph Stanley, qui est une légende du bluegrass, a chanté une version a cappella de « O Death » sur la bande originale. Parlez-moi de cette décision pour qu’elle soit enregistrée de cette façon.
Je travaillais à partir de la version Dock Boggs de « O Death » que j’adorais beaucoup, et j’ai invité Ralph à jouer du banjo et à le chanter dans le film. Il est arrivé et a commencé à jouer et à chanter, et il ne jouait pas le même style que celui qu’il chantait, alors j’ai pensé : « Essayons a cappella ». Je suis entré dans le studio pour dire cela, et Ralph s’est levé et s’est dirigé vers moi et m’a dit : “Essayons ça a cappella”, et j’ai répondu : “Excellente idée”.
Elvis Costello a déclaré que lorsque Ralph s’est levé et a chanté « O Death » aux Grammys (en 2002), en plein milieu du public, c’était la réponse la plus authentique de la communauté musicale aux attentats du 11 septembre, et je pense que c’est vrai. Je pense que cette chanson correspondait au sentiment que nous avions tous dans le pays à l’époque. Et il y avait l’an 2000 à l’époque, qui était censé éteindre les ordinateurs de tout le monde et tout – ce qui, soit dit en passant, aurait été une bonne chose, si je regarde comment 2025, 2026 se sont déroulés, je serais d’accord avec ça. Le fléau numérique qui s’est abattu sur nous est un problème grave et les gens commencent tout juste à le reconnaître. En tout cas, c’était une première réponse à cela. Il s’agissait d’une des premières réponses analogiques à ce que l’on appelle l’inévitabilité du monde numérique.
Qu’avez-vous ressenti en voyant le film terminé ?
J’avais 50 ans quand nous avons fait ça. Mon père me l’avait dit quand j’étais enfant : j’écrivais tout le temps, et il m’a dit : “Vas-tu devenir écrivain ? Alors ne publie rien avant 50 ans.” Cela m’est revenu, que j’ai travaillé toute ma vie pour apprendre à faire ça. J’ai également ressenti une incroyable gratitude envers les Coen et envers George (Clooney) pour leur générosité et leur gentillesse. Je veux dire, personne ne fait de meilleurs films que les Coen.
