5 films des années 60 qui ont terriblement vieilli

Aucun film n’est à l’abri de l’histoire. Il y a une raison pour laquelle les critiques de cinéma aiment dire que tous les films sont politiques. C’est parce que chaque film est le résultat direct de l’époque à laquelle il a été réalisé. Chaque film, que les cinéastes s’en soient rendu compte ou non, épouse toutes les valeurs qui auraient pu flotter dans l’air à l’époque. Toutes les questions politiques de l’époque sont synthétisées – consciemment ou inconsciemment – ​​à travers l’esprit de l’artiste, produisant un art qui sera toujours un commentaire sur la morale contemporaine. Si un film ne semble pas avoir de politique, c’est simplement parce qu’il s’accorde à 100 % avec le statu quo. Si vous ne sentez pas qu’un film est politique, c’est simplement parce que vous êtes d’accord avec l’opinion du film.

Il est plus facile de comprendre la politique d’un film – en particulier la politique irresponsable d’un film – avec le recul de quelques décennies. Les films réalisés dans les années 1960, qui ont désormais tous plus de 50 ans, reflètent nécessairement les attitudes et les mœurs sociales de cette époque. De nombreux films des années 1960 étaient avant-gardistes, progressistes ou universels, ce qui leur permettait de bien vieillir tout en continuant à jouer comme des gangbusters devant un public moderne. Beaucoup d’autres, cependant, sont résolument rétrogrades, renforçant les attitudes plus racistes, les impulsions sexistes et les messages nonchalants des décennies.

Même lorsque les créateurs des médias des années 1960 se voulaient progressistes, ils retombaient souvent par défaut dans le sexisme ou le racisme. Gene Roddenberry a cherché à rendre sa série télévisée “Star Trek” de 1966 quelque peu progressiste en termes d’unité terrestre, mais il a quand même habillé les membres féminins de la série en minijupes et a écrit des épisodes qui avaient derrière eux des idées assez sexistes.

Qu’ils soient intentionnels ou non, les films suivants des années 1960 ont vieilli comme du bon lait.

L’adaptation par Blake Edwards en 1961 du roman de Truman Capote “Breakfast at Tiffany’s” ne semble pas vraiment démodée au début, mais elle a certainement accumulé un sentiment de démodé. Holly Golightly (Audrey Hepburn, bien que le rôle ait été écrit pour Marilyn Monroe), un mondain dingue, est tour à tour écervelé et mondain, dégageant une sorte d’attitude libre des années 1960 qu’on ne voit plus trop dans les films. Le film est également lâche dans sa structure, et on se souvient peut-être des longues scènes de fête bavardes du film plus que de tout ce qui a trait à son intrigue ou à ses personnages. Par exemple, jusqu’à une récente révision, je ne me souvenais pas à quel point les trafiquants de drogue étaient impliqués dans l’histoire. Au lieu de cela, je me suis souvenu de la scène de la fin où Paul (George Peppard) a finalement réchauffé le cœur de Holly.

Mais l’attitude lâche des années 1960 n’est pas la raison pour laquelle “Breakfast at Tiffany’s” est daté. Il s’agit du casting de l’acteur blanc Mickey Rooney dans le rôle de M. Yunioshi, le propriétaire japonais de Holly. Dans les années 1960, il était considéré comme offensant que des acteurs blancs apparaissent en blackface, mais il semble que transformer un acteur blanc en Japonais était toujours considéré comme acceptable, du moins selon les standards des studios traditionnels. La performance de Rooney est terriblement offensante, s’appuyant sur des stéréotypes physiques et des attitudes racistes. Blake Edwards pensait probablement que Rooney jouait simplement un personnage « drôle ». J’ai appris de une vidéo sur la chaîne Be Kind Rewind sur YouTube que Rooney a été crédité sous le nom de “Ohayo Arigatou” dans les premiers documents de presse. Cette même vidéo soulignait qu’Edwards en était venu à s’appuyer sur le personnage du “stéréotype japonais drôle” comme le meilleur moyen d’intégrer la comédie dans le film.

Le résultat est une performance raciste pour tous les âges. Rooney joue sur l’accent et la maladresse de M. Yunioshi, le transformant en quelque chose que le public moderne ne pourra pas supporter.

L’épopée de guerre “Zulu” de Cy Endfield de 1964 suit les événements de la bataille de Rorke’s Drift, un conflit de 1879 entre les Britanniques et l’empire zoulou d’Afrique australe, combattu pendant la guerre anglo-zoulou. La bataille était, en bref, une tentative des Britanniques de coloniser la région. Lors de la bataille d’Isandlwana, le peuple zoulou local a repoussé les colonialistes. Certains Zoulous se sont retirés de la bataille et se sont également lancés à la poursuite d’un poste britannique à Rorke’s Drift. Les Britanniques ont réussi à repousser l’attaque, se présentant comme des « héros » face aux « méchants » Africains locaux.

“Zulu” n’a rien de négatif à dire sur le colonialisme britannique et dépeint les soldats comme des héros assiégés luttant pour une “cause perdue”. Paste Magazine a écrit une rétrospective sur “Zulu”, soulignant que le film a reçu de nombreuses critiques au fil des ans en raison de ses attitudes dédaigneuses à l’égard du peuple zoulou et de sa forte inclinaison vers les attitudes chauvinistes sur les gloires du combat pour l’Empire britannique. Le Times a même cité une fois “Zulu” comme potentiellement des idées qui peuvent facilement être adoptées par les nationalistes blancs. Ce même article, cependant, défendait le film, arguant qu’il contenait des scènes de tragédie et d’horreur qui sapaient tout chauvinisme. Il semble que « Zulu » reste controversé à ce jour. /Film l’a toujours considéré comme l’un des meilleurs de Michael Caine.

Et même s’il n’y a rien d’explicite dans le texte de “Zulu” qui encourage le nationalisme blanc, les cinéastes ont quand même choisi de faire un film sur cet événement, qui pourrait, entre de mauvaises mains, être utilisé comme propagande. Dans les années 2020, nous sommes beaucoup plus sensibles aux médias susceptibles d’encourager une politique sombre, et il est sage et nécessaire de souligner ces choses.

« Zulu » ne peut donc pas être regardé sans ces conversations jointes. C’est une mauvaise façon de vieillir.

Les parties offensantes de l’adaptation cinématographique de Franco Zeffirelli en 1967 de “La Mégère apprivoisée” de William Shakespeare ne sont pas vraiment la faute du réalisateur. En réalité, pour celui-ci, la faute en revient à Shakespeare. “La Mégère apprivoisée”, une comédie écrite au début des années 1590, raconte l’histoire d’une femme célibataire et volontaire nommée Kate qui est “apprivoisée” par un prétendant violent nommé Petruchio. Petruchio passe la pièce à harceler et à maltraiter Kate jusqu’à ce que sa volonté soit brisée et qu’elle devienne une épouse obéissante. Même les fous de Shakespeare doivent se mettre en quatre pour interpréter la pièce comme tout sauf sexiste.

Cependant, l’interprétation de “Shrew” par Zeffirelli ne renverse pas suffisamment le scénario, laissant intact tout le sexisme de Shakespeare. Elizabeth Taylor joue Kate, et c’est une tragédie de voir sa fougue brisée par Petruchio de Richard Burton.

Ce qui est cependant la faute de Zeffirelli, c’est son traitement de la sexualité des adolescents dans son adaptation de 1968 de “Roméo et Juliette”. Même si son “Roméo et Juliette” est fidèle au texte et constitue peut-être l’une des meilleures adaptations que la pièce ait jamais connues, Zeffirelli a peut-être été un peu trop franc avec ses acteurs principaux. Il voulait montrer que Roméo et Juliette avaient été sexuels et a tourné une scène tristement célèbre dans laquelle ses deux acteurs principaux, Olivia Hussey et Leonard Whiting – tous deux mineurs à l’époque – apparaissaient nus.

En 2023, Whiting et Hussey ont poursuivi Paramountaffirmant que les scènes de nu avaient été filmées sous la contrainte et que la nudité était une décision de dernière minute de la part de Zeffirelli. Le procès s’inscrit également dans la lignée de plusieurs autres incidents au cours desquels Zeffirelli aurait été sexuellement inapproprié avec de jeunes acteurs, dont l’acteur de “Roméo et Juliette” Bruce Robinson. C’est un film génial, mais il est désormais difficile à regarder, sachant ce qu’on fait de Zeffirelli.

Si nous sommes honnêtes, la plupart des films de James Bond posent problème. Le super espion de Ian Fleming s’est, pour le cinéma, transformé en un séducteur ultra-sexuel, un charmeur de premier ordre. Grâce à la représentation du personnage par Sean Connery (à partir de 1962 avec “Dr. No”), Bond est devenu un lothario incorrigible qui a utilisé ses prouesses sexuelles comme une arme plus souvent que son Walther PPK. La libido de Bond et le sexisme qui l’accompagnait étaient si notoires qu’ils ont été ouvertement satirisés dans la version 1967 de “Casino Royale”.

Mais parmi les premiers films de James Bond, aucun n’est plus offensant que “You Only Live Twice” de Lewis Gilbert, le cinquième film de la série James Bond produite par Eon, et ouvertement détesté par Roald Dahl, son scénariste. Dans “Twice”, James doit voyager au Japon déguisé… en Japonais. Il est équipé d’un maquillage spécial pour lui donner des traits asiatiques, qui ne sont pas du tout convaincants. La plupart des femmes sont généralement objectivées dans les premiers films de James Bond, et c’est certainement le cas des femmes japonaises qui roucoulent et caressent James Bond comme un dieu du sexe errant.

Les films de James Bond ont tendance à se dérouler dans des villes du monde entier, et leur voyage autour du monde reste l’une des caractéristiques les plus attrayantes de la série. Mais avec “Twice”, le Japon est vu d’un point de vue extérieur, “altérant” le peuple japonais à un degré extrême. Ce qui aurait pu autrefois ressembler à une escapade fantaisiste dans un pays exotique semble aujourd’hui, aux yeux d’aujourd’hui, arriéré et raciste. En 1967, des cinéastes japonais comme Akira Kurosawa et Yasujiro Ozu étaient connus dans le monde entier. Plus de gens pouvaient voir de vrais films japonais. “On ne vit que deux fois”, se sent donc en retard.

Et nous voilà à nouveau avec Blake Edwards. Je n’ai pas de problème personnel avec Edwards, remarquez, mais en tant que cinéaste de comédie dans les années 1960, il s’appuyait trop souvent sur des stéréotypes « drôles » pour sa comédie. Dans “Breakfast at Tiffany’s”, il s’est penché sur Mickey Rooney, un personnage japonais. Dans “The Party”, il engage le très talentueux Peter Sellers (star des premiers films d’Edwards sur la Panthère Rose) pour se peindre le visage en marron et jouer un Indien. Ce n’était pas nécessaire, car il disposait de nombreux comédiens indiens qu’il aurait pu interpréter dans le rôle de Hrundi V. Bakshi, le personnage central de son film.

La vanité de « The Party » est en fait assez drôle. L’acteur Bakshi, parce qu’il est un personnage quelque peu maladroit, provoque accidentellement une explosion sur le tournage du film dans lequel il apparaît. Le chef du studio en colère essaie d’écrire le nom de Bakshi sur une liste noire littérale, mais l’écrit à la place sur la liste d’invitations à une fête de l’industrie haut de gamme. Pour défendre « Le Parti », il ne s’agit pas de la stupidité de Bakshi, mais de l’industrie cinématographique elle-même. Les invités à la fête sont encore plus ridicules que le personnage principal.

Mais force est de constater que “The Party” mise sur les stéréotypes et qu’un acteur blanc apparaît au visage brun. En 2007, le Guardian a écrit un article à propos d’un sentiment général d’ambivalence à l’égard du « Parti ». Oui, dit l’auteur, le film d’Edwards est très drôle. Mais, ajoute-t-il, cette situation est également motivée par une caricature raciste.